Músicos modernos populares que toman la influencia clásica


Al pensar en los cantantes y artistas musicales populares de hoy en día, el contenido lírico tradicional, la meticulosidad sobre la solidez teórica y la inventiva armonía a cuatro voces no parecen venir a la mente.

Esta era de rápida recopilación de información, transporte y comunicación, en la que la gratificación debe ser fácilmente alcanzable para satisfacer las necesidades de los consumidores-productores inmersos en el trabajo, ha producido un arte que se adhiere a los estándares culturales.

Las creaciones visuales están diseñadas para captar la atención del ojo durante el tiempo que se tarda en leer un anuncio, y los programas informáticos están diseñados para proporcionar una navegación rápida y sencilla, a la vez que son lo suficientemente nítidos y limpios para animar a una persona a lo largo de sus horas.

La preparación de alimentos se ha convertido en una tarea rápida, y las conferencias largas orientadas al maestro con una discusión profunda ya no son requisitos de la educación universitaria.

Según el National Endowment for the Arts, «el porcentaje de adultos estadounidenses que leen literatura… cayó al menos en tres décadas» en 2015, lo que indica que se está gastando menos tiempo en al menos una actividad mental esencial (Christopher Ingraham , “El largo y constante declive de la lectura literaria”).

audiencia

Gran parte de la música moderna ha seguido esta tendencia. La estructura estrofa-estribillo-estrofa-estribillo que los productores ahora copian y pegan ha sido el formato de muchos éxitos, y las mismas progresiones que atraen a las audiencias ocasionales se han utilizado para muchos de los mejores sencillos (por ejemplo, «21 Guns» de Green Day y «21 Guns» de Sia). “Cheap Thrills”, y “Hello” de Adele).

Canciones como “Hotline Bling” de Drake y “Watch Me” de Silentó se componen de no más de dos acordes, y “Shots” de LMFAO, entre otras, centra su contenido en una sola palabra.

Los principales éxitos de la radio suelen durar unos tres minutos y se basan en dos o tres temas melódicos cuyas palabras los oyentes pueden memorizar y cantar fácilmente.

Las letras introspectivas y el contrapunto trascendente no están en el estilo del pop, y la estructura anormal de las canciones rara vez se escucha en las listas de reproducción de Spotify.

Sin embargo, la habilidad magistral en la arquitectura musical y la apreciación de la misma están lejos de estar muertas. Las producciones de Broadway que explotan con gloria aún logran un éxito masivo, y durante todo el año se hacen álbumes que exhiben la misma brillantez que se escucha en las sinfonías de Beethoven y Mozart.

Hamilton de Lin-Manuel Miranda combina los tropos del hip-hop y la naturaleza transformadora de la música clásica para formar una presentación enérgica, mientras que Wicked de Stephen Schwartz y Winnie Holzman hace un giro pop mágico con instrumentación clásica de big band.

Random Access Memories de Daft Punk manipula «los sonidos de los 50, los sonidos de los 60, los 70» para construir «un sonido del futuro» con una producción de vanguardia y una interpretación sucinta (Giorgio Moroder, «Giorgio by Moroder») .

conciertos

Las canciones que comúnmente se transmiten en línea y al aire son las que hacen bien su trabajo: conjurar una breve inspiración y llamar patológicamente la atención sobre los productos de consumo.

No están destinados a cumplir los deseos más profundos del esteta y dejan la línea de trabajo que es para músicos con otras habilidades.

Sin embargo, parece injusto decir que la música popular siempre es superficial. Si lo fuera, ¿cómo se relacionaría musicalmente un defensor del arte elevado con un amigo que disfruta sólo de los éxitos? No habría término medio para que la gente coseche al unísono.

Estos son algunos músicos y grupos que ofrecen una combinación perfecta de atractivo popular y arte progresivo.

1. cabeza de radio

Marcado como el número 34 en Billboard Hot 100 en 1993, «Creep» se convirtió en un éxito nacional poco después de su lanzamiento, allanando el camino para la buena recepción constante de los lanzamientos completos de Radiohead.

“Karma Police”, lanzado cuatro años después, ocupó el puesto número 8 en la lista de singles del Reino Unido , y OK Computer, el álbum que lo contenía, ha vendido más de 3,5 millones de copias hasta la fecha (Nick DeSantis, “Radiohead’s Digital Album Sales, Visualized”). .

Los trabajos de la banda han causado una gran sensación y el grupo ha desarrollado una base de fans fuerte y leal. Kid A consiste en lo que su edad podría haber considerado un audio revolucionario, con cuerdas electrónicas, firmas de tiempo no convencionales y un órgano de pedal de armonio.

Los resplandecientes paisajes armónicos de In Rainbows son la base para las melodías en cascada, y el último lanzamiento, A Moon-Shaped Pool, canaliza la tristeza que se niega a recurrir al deseo básico de alivio, y en su lugar encuentra la redención a través de la poesía, el piano y la programación MIDI.

concierto

Johnny Greenwood ,  el guitarrista principal y arreglista de cuerdas de la banda, menciona a Penderecki, quien ha sido premiado en numerosas ocasiones por sus composiciones y su talento como director, y a Messiaen, quien amplió la música clásica con «los sonidos de la naturaleza y la música mundial», como algunas influencias: su efecto. en sus programas de escritura en temas como «Nude» y «House of Cards» (Craig Harris, Spotify).

Dicho por Rolling Stone para proporcionar «ataques de pánico de bajo vuelo y una magnífica orquestación», y por NPR para desarrollar una «marca peculiar de psicodrama», la banda es reconocida internacionalmente, tanto crítica como popularmente (Will Hermes, «Radiohead: A Moon Piscina con forma de luna”; Tom Moon, “Reseña musical: ‘Una piscina con forma de luna’, Radiohead”).

2. Arcade Fuego

El uso de cuerdas no es raro, incluso en los éxitos de radio más famosos. “Stronger” de Kanye West tiene un arreglo de cuerdas sintetizadas, y la sección de violín “Haunted” de Taylor Swift es una parte indispensable de la canción.

Arcade Fire tiene una habilidad especial para ellos, que se revela en piezas como «The Suburbs» e «In the Backseat».

El sonido anteriormente orgánico de la banda, con mandolinas, guitarras acústicas y pequeños conjuntos de cuerdas, es nostálgico y agradable, y pinta imágenes de la rebelión de la clase media de California.

Sus composiciones más nuevas, inspiradas en un viaje a Haití y en influencias jamaicanas, utilizan diversidad en el audio y una amplia gama de etnias sonoras.

Habiendo ganado el Premio Grammy 2011 por Álbum del Año, entre otros, Arcade Fire es reconocido por su sonido alternativo, artístico y divertido.

Si bien la banda atrae a los audiófilos empedernidos de los géneros folk, beach-rock e indie, los oyentes jóvenes pueden gravitar fácilmente hacia la marca, ya que las melodías cantables y los ritmos accesibles son el firmamento del estilo del grupo.

3. Björk

Conocida por su voz infantil, su instrumentación helada y el vestido de cisne que usó en los Premios de la Academia, Björk es una compositora cuyas raíces islandesas se niegan a liberarla, plantando un rasgo de reconocimiento instantáneo en sus obras.

Medulla es un álbum a cappella (totalmente vocal), con armonías desgarradoras y estribillos terrenales.

Vulnicura cuenta la historia del divorcio de Björk, y combina una orquesta en vivo con un sonoro acompañamiento electrónico.

Las canciones de Björk han alcanzado posiciones en las listas de éxitos y la propia música ha ganado premios de la Asociación de Música Independiente, la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores y la Industria Fonográfica Británica.

Su papel en llamar la atención sobre Islandia e inspirar a la juventud artística allí es importante, ya que «es la primera cantante pop islandesa que realmente irrumpió en la escena internacional» (Arnastofnun.is).

4. D’Angelo

Dado que el álbum de estudio Black Messiah recibió una puntuación de Metacritic (es decir, una puntuación promedio basada en todos los sitios de reseñas de marca) de 95 sobre 100, D’Angelo demostró su capacidad para producir una obra de arte impredecible, influenciada por el jazz, que hace que la religión, la política , y declaraciones espirituales sobre una corriente de progresiones extrañas pero pegadizas.

Influenciado por Jimi Hendrix, James Brown y Tupac, entre otros, su sonido emula el blues, el funk y el hip-hop, y sus orquestaciones incluyen metales, contrabajo y pequeños coros.

batería

Como el jazz es la influencia más evidente de la «música artística» de sus canciones, su estilo se desvía de las ideas compositivas europeas tradicionales y conserva un elemento único que fácilmente lo lleva a uno a un error de cálculo y falta de expectativas.

Los álbumes Voodoo y Black Messiah ganaron el premio Grammy de 2001 y 2016 al mejor álbum de R&B en sus respectivos años, y las obras del artista han sido nominadas a otros premios.

La música de D’Angelo es errática, madura y genial, capaz de infundir un ritmo en cualquier oyente promedio mientras responde al llamado de innovación y pensamiento extenso del crítico intencionado.

5. Musa

Con éxitos como «Uprising», «Knights of Cydonia» y «Starlight», el impacto de Muse en el pop-rock, el uso combinado de la banda de instrumentos sintéticos actualizados (p. ej., guitarra equipada con touchpad) y herramientas de música clásica. , y sus arreglos expansivos se sienten y escuchan con claridad.

Las canciones del grupo de rock «épico», que han sido descritas como «carnosas, precisas y ruidosas», están impulsadas por ritmos que son tan conmovedores como llenos, y generalmente están protegidos por partes titánicas de guitarra y bajo, cuya producción expande su volumen exponencialmente (Kitty Empire, “Revisión de Muse – entretenidamente rimbombante”).

Con las melodías altísimas de Matt Bellamy y el «rango vocal de 3,7 octavas», así como la orquestación pesada ideada con partes de piano, conjunto de cuerdas, metales y subgraves, las melodías se vuelven sabrosas y profundas, exhibiendo un conocimiento abundante, una comprensión profunda y un fuerte control técnico de una plétora de aspectos musicales (Equipboard.com).

bajo

La influencia clásica en las obras de Muse no se oculta. La canción “Preludio”, por ejemplo, “presenta una famosa melodía del Estudio n.° 3 en mi mayor de Chopin” (MuseWiki, “Frédéric Chopin”).

De las composiciones de Chopin, Lizst y Rachmaninoff, Bellamy dice que “hay un misterio en la música, es mucho más abstracta y mucho más capaz de estimular tu imaginación” (MuseWiki).

Se dice que Hans Zimmer , creador de la música para películas como Inception y The Dark Knight, «invitó [a Matt Bellamy] a su estudio», lo que demuestra que el escritor e intérprete tiene una reputación entre los músicos de formación clásica actuales (MuseWiki, » Hans Zimmer»).

Conclusión

Esta lista ciertamente no es extensa; su propósito es arrojar luz sobre los músicos que han establecido legados de verdadero arte y trabajo de vanguardia, y que tienen canciones dignas de la radio.

Muchos de sus temas son mezclas ejemplares de clichés populares y conceptos rompedores, mientras que algunos llegan solo a un extremo o al otro.

La mayoría de sus obras son piezas de entretenimiento de calidad, y sus producciones se destacan como sellos distintivos de la historia humana, expresando mensajes sobre los problemas de su época, las experiencias de sus días y sus perspectivas y métodos para lidiar con las emociones compartidas por los humanos.


Deja una respuesta

Tu dirección de correo electrónico no será publicada.