Violines eléctricos vs violines acústicos


Con los avances pasados ​​en la tecnología llegó el regocijo, los sueños de un estilo de vida utópico y relajado, y la idea de que la humanidad había alcanzado alturas que nunca había alcanzado.

La gente parecía estar usando su educación y sus habilidades sabiamente, y tanto los productores como los consumidores conversaban con entusiasmo sobre las posibilidades abiertas por los inventores modernos.

La industria de la nueva era parecía indiscutiblemente mejor que los diseños de antaño, y las masas devoraron la ola de hoy y abandonaron muchas de las tradiciones de tiempos pasados.

El arte renacentista, la música clásica y la sátira del siglo XIX se cambiaron por el arte pop, los sencillos de Spotify y los sketches cómicos .

Las formas de entretenimiento se transformaron, al igual que las herramientas utilizadas para producirlas. Los iPads y las tabletas casi han dominado los pinceles y las utilidades arquitectónicas.

Las guitarras eléctricas se prefieren en gran medida a las acústicas, y los sintetizadores y la programación midi han dejado de lado los pianos de cola y la composición escrita.

Algunos cambios son buenos (hemos estado necesitando menos emisiones de carbono), pero otros provocan percepciones cuestionables de objetos más antiguos.

En este caso, los instrumentos orquestales, después de haber sido reemplazados por elementos electrónicos , ahora se ven comúnmente como novedosos y anticuados, y algunos adolescentes casi resienten el instrumento debido a su antigüedad.

música clásica

Las sinfonías de las épocas clásica y romántica parecieron sufrir una disminución en la proporción de oyentes y no oyentes, y los álbumes de Drake son más valorados que los conciertos interpretados por músicos de talla mundial.

Afortunadamente, ha habido un repunte en las grabaciones de instrumentos de cuerda, gracias a artistas como Lindsey Sterling y Kevin Olusola.

La combinación de pop y estilo clásico virtuoso de los músicos resuena con la juventud de hoy e inspira a muchos.

Cuando se ajustó una capella al sistema estéreo, con notas graves hechas para sonar sub-y, se convirtió en furor; los conjuntos de cuerdas se abren paso en la música de Panic! at the Disco y D’Angelo, despertando cierto interés en los futuros artistas.

Además, con el surgimiento del violín eléctrico, los músicos de teatro y de la calle han utilizado pedales de efectos y amplificación en sus intérpretes con arco.

La sensación fresca y moderna del violín eléctrico ha animado a muchos a tomar el instrumento y ha dado un sentido de relevancia a la música clásica.

Aún así, sin embargo, los violines eléctricos no son exactamente iguales a sus contrapartes acústicas. Sería poco probable ver una orquesta tradicional con los instrumentos de cable a cuestas, y muchos clásicos intransigentes cuestionarían el uso de un violín eléctrico para tocar una partita de Bach o un concierto de Vivaldi.

Del mismo modo, un violín acústico no tiene un aspecto ni una sensación capaces de operar en una sesión de estudio destinada a algunos ritmos modernos.

Tampoco puede reproducirse fácilmente en bucle, lo que hace que los violinistas solistas sean incapaces de ser sus propios acompañantes.

Entonces, ¿qué es mejor, en general, el violín eléctrico o el acústico?

Los violines acústicos han existido desde el siglo XVI y han servido como piezas centrales de muchos conciertos, sinfonías, pinturas y métodos de entrenamiento desde entonces.

El tipo de violín original comenzó su reinado en la década de 1600, cuando compositores de renombre como JS Bach y Antonio Vivaldi expusieron las capacidades de los instrumentos y ampliaron los horizontes de muchos oyentes e intérpretes.

Las partitas para violín solo de Bach obligan a sus intérpretes a usar cruces de cuerdas dramáticos y frecuentes y acordes completos para lograr sonidos deseables.

Las estructuras armónicas y las progresiones de las piezas son únicas y hermosas en sí mismas, y brindan excelentes exhibiciones de las habilidades y el esfuerzo de los músicos ambiciosos.

Los conciertos de Vivaldi, a veces hechos para múltiples solistas, muestran los maravillosos contrapuntos en los que las melodías pueden bailar y fomentan una gran velocidad de cualquier intérprete.

Esta naturaleza acústica de los violines antiguos es casi necesaria para estas piezas, ya que se requiere resonancia y madera auténtica.

En la década de 1700, WA Mozart saltó a la fama y sus obras adquirieron un estilo amapola ya veces cómico que atrajo a audiencias masivas, tanto aristocráticas como sin educación.

Los conciertos del compositor utilizaron las notas altas y el rango bajo del violín en una combinación que pretendía provocar la naturaleza sensual de los oyentes y seducir a los miembros del sexo opuesto.

Requieren tonalidad pura, ruidos extraños sin adulterar. Con amplificación, esto es difícil de lograr y se pierde el aspecto virgen del violín tallado a mano.

Ludwig von Beethoven revolucionó la escena clásica en el siglo XIX, cuando obras maestras como la quinta y la novena sinfonías sacudieron los cimientos sobre los que se construía la música, y los últimos cuartetos transformaron la mente del público, ampliando su comprensión y elevando sus estándares artísticos.

violinista

Estos, especialmente, exponen el inmenso potencial del violín y lo muestran en combinación con otros instrumentos de cuerda.

En los escritos de Beethoven, se examina el carácter oscuro, emocional y simpático del violín, y se revelan los caprichos malhumorados e introvertidos del instrumento.

La madera del objeto es necesaria para estas piezas, y los sonidos amplificados no pueden reemplazar el timbre orgánico que pedía el gran compositor.

Las composiciones de finales del siglo XIX de Claude Debussy, Giuseppe Verdi y Richard Wagner requieren la madera del violín acústico e inspeccionan con un estudio magnificado las complejidades ocultas del instrumento arqueado.

Los compositores del siglo XX continuaron con el legado de la escritura orquestal, y obras maestras como la Suite del pájaro de fuego de Stravinsky y la Quinta sinfonía de Shostakovich perduraron a lo largo de los años como técnicamente nuevas y armónicamente revolucionarias.

El uso del violín seguía siendo fuerte. Philip Glass, que se hizo un nombre durante las décadas de 1980 y 1990, ayudó a desarrollar el minimalismo y usó repeticiones trilladas y sostenidas para formar obras fascinantes, tal vez inspiradas en las mentalidades que tanto apreciaban las subculturas de las décadas de 1960 y 1970.

Hoy en día, las películas ganadoras de premios utilizan una orquestación de cuerdas gruesas y, a menudo, se solicitan violinistas.

Las orquestas juveniles son una gran experiencia para los jóvenes estudiantes, y los conciertos sinfónicos son populares para aquellos que están interesados ​​y pueden costearlos.

Todos estos fenómenos y eventos fueron inspirados, al menos parcialmente, por el violín acústico, y todos requieren ese instrumento.

El violín acústico es insustituible en estos escenarios, y se le tiene un gran respeto y mucho valor.

El violín eléctrico se vio por primera vez alrededor de la década de 1920 y ha experimentado un aumento de popularidad en las últimas décadas. Inicialmente, los intérpretes de jazz lo utilizaron como reemplazo debido a la falta de capacidades del violín original.

A Stuff Smith se le atribuye ser uno de los primeros músicos en conectar una pastilla a su violín, y su técnica explotó los poderes de amplificación.

violín

Con el volumen adicional, el golpeteo de los dedos se volvió súper audible y los momentos crujientes se realzaron con una suave saturación de los parlantes.

Jean-luc Ponty amplió la amplitud del violín con sus álbumes de fusión de jazz, que combinaban ingeniería de audio actualizada con solos de guitarra, patrones de bajo virtuosos y ritmos rápidos de batería, todo bajo solos de violín fuertemente entrelazados.

Las actuaciones en vivo del artista estaban muy sincopadas y requerían mucha reflexión en todo momento, lo que requería una precisión rítmica constante y rapidez de digitación.

Colocado en un entorno al aire libre, con multitudes masivas y enormes sonidos de batería y bajo, las brillantes notas del violín serían irreconocibles sin amplificación; la corriente del instrumento a los altavoces era muy necesaria.

Ed Aleye Johnson, implementó la distorsión en sus grabaciones, tomando influencia de los riffs y solos de rock de los años 80, y usándolos en sus grabaciones y actuaciones callejeras.

Bryson Andres, quien ganó fama recientemente por sus actuaciones callejeras, usa un pedal de bucle para apoyar pasajes armónicos crecientes y líneas melódicas entusiastas y de ensueño.

Cubre éxitos como «Secrets» de OneRepublic y «I Don’t Wanna Live Forever» de Zayn y Taylor Swift, y ha obtenido un sólido seguimiento en YouTube, inspirando a oyentes de todo el mundo.

Las versiones de melodías de programas de anime famosos también han traído un gran éxito a los violinistas eléctricos; las composiciones de Tokyo Ghoul y Naruto son las que se destacan particularmente.

El violín eléctrico viene en docenas de diseños y colores , infundiendo una nueva vida a la música de cuerdas y alegrando los ojos de los niños tan aclimatados a la vida estimulada de mirar pantallas y jugar videojuegos.

Como el instrumento se puede conectar a pedales de efectos, un nuevo océano de posibilidades está esperando para ser explorado por violinistas y compositores.

Además, la capacidad de conectar un cable al instrumento presenta una nueva comodidad para los ingenieros de estudio, ya que ya no es necesario configurar micrófonos para grabaciones.

Aunque el violín eléctrico no es compatible con el tono íntimo y orgánico que exigen las piezas de violín del pasado, brindan un nuevo espectro de usos y son objetos emocionantes en la era tecnológica.

La preferencia entre un violín acústico y uno eléctrico es una cuestión de circunstancias. En el caso de una interpretación de cámara de música de Bach, parece preferible el violín acústico. Su timbre natural, auténtico y de madera es ideal para obras de las eras anteriores a la era de la información.

Compositores como Beethoven y Tchaikovsky, que fueron los principales defensores de la evolución del sonido popular del violín, no aprobarían la electricidad para sus propias obras, que a menudo utilizaban el crujido de los instrumentos de cuerda de madera para crear los momentos duros y descarados que tanto cautivaban al público en el tiempo.

Sin embargo, el violín acústico no siempre representa bien las canciones modernas. La batería electrónica , las partes de bajos sintetizados y la orquestación MIDI comparten un tono característico de las últimas décadas, uno que solo los instrumentos eléctricos pueden replicar.

El violín eléctrico es perfecto para imitar audio artificial y puede encajar sucintamente en un arreglo pop moderno.

Además, la apariencia de muchos violines eléctricos es distintiva y puede atraer a una multitud significativa en muchas esquinas.

El potencial de ambos instrumentos es aparentemente ilimitado.


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